Parmi les nombreuses expositions présentées cette année, certaines retiennent particulièrement l’attention. Non pas nécessairement parce qu’elles racontent les histoires les plus spectaculaires, mais parce qu’elles provoquent quelque chose chez le spectateur avant même que celui-ci ait cherché à les comprendre.

C’est peut-être le meilleur fil conducteur pour découvrir cette sélection : des photographies qui font naître une émotion avant de raconter une histoire.

Thato Toeba, ou le spectateur face à son propre reflet

Avec Tout le monde peut être Lucifer, Thato Toeba propose une expérience qui dépasse rapidement la simple observation des images.

Mais l’exposition fonctionne aussi comme un piège.

À force de chercher un sens dans les images, le spectateur finit par y projeter ses propres interprétations. Les collages deviennent alors une forme de miroir.

Le titre Tout le monde peut être Lucifer renforce cette impression. Qui est Lucifer ? Un personnage, une figure symbolique ou une part de chacun de nous ?

L’exposition ne donne pas nécessairement de réponse. Elle invite plutôt à se confronter à ce que l’on voit et à ce que l’on projette dans l’image.

Martine Barrat, un autre visage de New York

Avec Martine Barrat, c’est un autre monde qui apparaît.

Soul of the City montre un New York très éloigné de l’image familière construite par les films, les séries et les cartes postales. Ici, la ville est avant tout faite de personnes, de quartiers, de relations et de vies quotidiennes.

La force de son travail réside notamment dans la proximité avec les personnes photographiées. Barrat ne semble pas simplement observer ses sujets : ses photographies donnent le sentiment d’avoir été réalisées depuis l’intérieur de leur monde.

Les contrastes sont partout. Dans les images, mais aussi dans les réalités qu’elles montrent : la force et la fragilité, la violence et la tendresse, la fête et la difficulté.

Le travail consacré à la boxe, notamment réuni sous le titre Do or Die, illustre particulièrement cette énergie.

À travers ces photographies, New York devient moins une ville à regarder qu’un monde dans lequel entrer.

Harry Gruyaert et la géométrie de la rue

Chez Harry Gruyaert, la rue devient un espace de composition.

Dans A Sense of Place, les photographies attirent par leurs géométries, leurs couleurs et leur organisation extrêmement précise.

La photographie de rue repose pourtant sur l’imprévu. Les passants, les véhicules, les ombres et la lumière changent constamment.

Gruyaert parvient à saisir ces éléments dans des instants où tout semble soudain parfaitement ordonné.

Ses images donnent ainsi une impression paradoxale : elles sont issues du hasard, mais semblent avoir été composées à l’avance.

C’est cette capacité à transformer une situation quotidienne en une construction visuelle particulièrement maîtrisée qui rend son travail remarquable.

Ming Smith : photographier avec l’instinct

Avec Ming Smith, le rapport à la maîtrise est différent.

Dans Lueur nomade, le mouvement, le flou et la douceur deviennent des éléments essentiels des images.

Le flou n’est plus simplement l’absence de netteté. Il devient une manière de traduire une sensation, un mouvement ou une présence.

Ses photographies donnent parfois l’impression d’avoir été prises dans un état de disponibilité totale, comme si l’instinct prenait le dessus sur la volonté de contrôler chaque détail.

Une manière de rappeler que la photographie ne consiste pas toujours à arrêter parfaitement le monde.

Elle peut aussi chercher à conserver la sensation d’un instant.

Flower Power : quand les fleurs prennent feu

Flower Power réserve également quelques images particulièrement surprenantes.

Parmi elles, les fleurs en feu de Jiang Zhi.

La fleur est traditionnellement associée à la beauté, à la fragilité ou à l’amour. La voir brûler produit immédiatement un contraste saisissant.

Le symbole devient ambigu.

La beauté rencontre la destruction, la délicatesse rencontre la violence.

L’image évoque une véritable love story racontée avec du feu.

C’est justement cette simplicité apparente qui rend la photographie efficace : une fleur suffit pour ouvrir plusieurs histoires possibles et modifier complètement notre manière de regarder un symbole que nous pensions connaître.

Pentti Sammallahti, la poésie du hasard

Avec Pentti Sammallahti, la photographie prend parfois une tournure beaucoup plus légère.

Ses images sont empreintes de poésie, mais aussi d’un humour discret.

Un animal, un passant, un geste ou une situation inattendue suffit parfois à transformer une scène ordinaire en moment presque absurde.

Tout semble s’être parfaitement aligné pendant une fraction de seconde.

Le photographe était là.

Cette photographie du « moment parfait » rappelle une dimension essentielle de la photographie de rue : savoir regarder suffisamment longtemps pour laisser le hasard produire quelque chose.

Chez Sammallahti, le monde semble parfois avoir un sens de l’humour particulier.

Rinko Kawauchi et Tokuko Ushioda : les petits changements de la vie

From Our Windows, de Rinko Kawauchi et Tokuko Ushioda, propose une approche plus douce et intime.

Les photographies s’intéressent notamment à l’enfant et à tout ce qui entoure les premiers moments de sa vie : les gestes, les objets, les espaces domestiques et les scènes du quotidien.

À travers ces détails apparaît quelque chose de beaucoup plus vaste : la transformation d’une vie.

L’arrivée d’un enfant modifie les habitudes, le rapport au temps, l’organisation de la maison et la manière de regarder le quotidien.

L’exposition montre cette transformation sans avoir besoin de grands événements.

Quelques gestes ordinaires peuvent suffire à raconter un bouleversement immense.

Une photographie qui commence par une émotion

Ces photographes proposent des univers très différents.

Les collages de Thato Toeba interrogent notre propre regard. Martine Barrat nous plonge dans un New York intime. Harry Gruyaert transforme la rue en composition. Ming Smith privilégie l’instinct et le mouvement. Jiang Zhi détourne l’image de la fleur pour créer un contraste inattendu. Pentti Sammallahti trouve de la poésie dans les accidents du quotidien. Rinko Kawauchi et Tokuko Ushioda observent les transformations silencieuses de la vie.

Ce qui les rapproche n’est donc pas un style ou une technique.

C’est plutôt une manière de faire fonctionner l’image avant même que le spectateur ait besoin d’en connaître toute l’histoire.

Une photographie peut faire sourire.

Elle peut déranger.

Elle peut intriguer.

Elle peut rappeler quelque chose que l’on avait oublié.

Elle peut simplement donner envie de rester devant elle quelques secondes de plus.

Et c’est peut-être l’une des grandes forces des Rencontres d’Arles : permettre de découvrir non seulement de nouvelles photographies, mais aussi de nouvelles manières de raconter avec une image.

Pour cette édition 2026, ces quelques expositions constituent en tout cas un excellent point de départ pour se perdre dans le festival — et peut-être découvrir, au détour d’une salle, une photographie que l’on n’était pas venu chercher.

On repart avec de nouvelles façons de raconter.

Et surtout, avec l’envie de regarder encore.

Riccardo Pedica