« Dancing with Fire. When Bruno Aveillan Rekindles Rodin’s Flame (1917-2017). » Synopsis of Jean-Baptiste Chantoiseau’s conference


During the International FilmForum 2018 in Italia, Dr. Jean-Baptiste Chantoiseau, Junior Lecturer in cinema Theory, Film Studies and Aesthetics at the Sorbonne-Nouvelle University and Editor of the Musée Rodin Paris, proposed a conference on Bruno Aveillan’s film: Divino Inferno. Rodin created The Gates of Hell (2017), co-written with Zoé Balthus.


The link between sculpture and cinema has already been explored by many directors throughout the 20th Century. Rodin’s statues in a startling sequence of S. M. Eisenstein’s October (1928); Greek and Roman monuments haunting R. Rossellini’s Journey to Italy (1954) or J.-L. Godard’s Contempt (1963); Rodin’s Dantesque figures inspiring dream-like images to J. Cassavetes in Shadows (1959): such stimulating examples demonstrate how the medium of sculpture has always been a fruitful source of inspiration both from a narrative and aesthetic point of view. But is it possible to evoke a “symbiotic” gathering able to change the viewer’s perception? How can filmmakers go further? To answer such a question, we will focus on a recent documentary film (2017) by the French photographer and director Bruno Aveillan: Divino Inferno. Rodin created The Gates of Hell. We would like to show how in this film the encounter between sculpture and cinema opens up a new kind of artistic space, which includes a physical and tactile involvement of the spectator.

On the right: Photo Nicolas Gouhier

This documentary offers a new kind of dialogue between sculpture, dance, photography and cinema to challenge the usual codes of art films. To do justice to the transgressive artist that Rodin used to be, Bruno Aveillan invents a new audiovisual form, melting his dancers’ bodies with Rodin’s masterpieces. Refusing the convention of the documentary genre, he includes in his film fictitious sequences to create a deep empathy with the viewer, within a synesthetic spirit in the Baudelairian sense of the word. Above all, the editing retraces Rodin’s creation process. Rodin indeed is the one who invented modern sculpture through the creation of a “unique way of re-assembling figures” as the poet Rainer Maria Rilke said. In the same way – but with other means and materials – Bruno Aveillan has decided to assemble a huge variety of images, giving birth to unexpected revelations and to a living artwork.

1 – « The Quest of the Interior Flame »

In choosing to place the element of fire at the very heart of his film, Bruno Aveillan can introduce and illustrate very concretely the modeling process exactly like Rodin defined it. According to the sculptor, modeling a figure should always imply a movement from the inside to the outside. Such a movement at this respect is comparable to a flame, leaping from the ground towards the sky.  Furthermore, the omnipresence of the fire creates an immediate connection, an intimacy and an imaginary possibility to attain the very essence of things: “Where the eye cannot go, wrote Bachelard, where the hand does not enter, there heat insinuates itself.” The fireplace, at the beginning of the film, is an important key to penetrate the true center of Rodin’s studio. The director creates here “a shared warmth”, a “communion in a reciprocal fusion.” It also alludes to Rodin’s « sacred fire »: when he got fascinated by a subject, Rodin was indeed capable of working with an unequaled zeal.


2 – « Sculpture, Dance and Cinema – The Moving Flame’s Poetry »

Another important idea: while bringing together old photographs, sculptures, drawings, fictional archives and choreographed sessions, Bruno Aveillan creates a singular editing, completely faithful to the way Rodin used to work with his “assemblage” technique; technique that he invented and would be so influential for the art of the twentieth century. Divino Inferno is an « assemblage » in itself; reflecting Rodin’s universe not only from a thematic point of view but within its own framework. This is why hands are so important throughout the movie; those hands that Art historian Henri Focillon used to compare to a “remarkable landscape with its hills, its great central depression, its narrow river valleys.” While seeing Rodin’s sculptures, “one looks for the two hands out of which this world has risen” wrote Rilke, adding “one longs to see these hands that have lived like a hundred hands”: the many hands that appear in the film evokes both the editing process and the making-off of sculpture, unifying cinema and sculpture in a same movement.


3 – « Passing on the Flame: Rodin-Aveillan »

Mircea Cantor’s performance finally, who redesigned and sculpted Rodin’s Gates of Hell using dynamite on a plexiglass plate, introduces a fruitful tension between surface and relief. While inventing a modern contoured mold of The Gates of Hell, Mircea Cantor’s gesture stirs up prevailing questions such as the possibility to create a relief effect on the two dimensional space of the silver screen. While taking the imprint of The Gates, he raises as well the question of authenticity in a world more and more surrounded by images of all kinds. Acting like this, the artist seems to collect on his plexiglass The Gates’ DNA for ever; creating a bridge between the past and the present. For all these reasons, the film is faithful to Rodin’s philosophy.



“The language of this art was the body. And this body – when had one last seen it?” regretted Rilke about Rodin’s universe. This documentary strives to transform this regret into a real epiphany. The interest of such an approach is twofold: sculpture in film is no longer an ekphrasis. On the contrary, with cinematographic means, we can understand the genesis of a sculpture from the inside: the spectator is facing a mutation from the ephemeral art of the moving image to the eternity of the statue. Conversely, after watching the movie, the way we perceive Rodin’s sculpture is no longer the same, as if they were part of uninterrupted dance. Being able to capture a movement but also to liberate it: the new symbiosis that emerges from this film reshape our perception and proves the importance of this capacity for renewal that defines cinema since its beginning.


Jean-Baptiste Chantoiseau


FilmForum 2018: Successful Italian Film screening of DIVINO INFERNO by Bruno Aveillan


The XXV Edition of the International Film Studies Conference in Gorizia (Italy) welcomed in March 2018 a successful screening of Bruno Aveillan’s film Divino Inferno. Rodin and The Gates of Hell (2017), written with Zoé Balthus. This amazing documentary movie was suggested by Jean-Baptiste Chantoiseau – who teaches Film Studies and Art Theory at the Sorbonne-Nouvelle University (Paris 3) and works at the Musée Rodin in Paris – to explore in a sensitive and sensible way this year’s theme: Cinema and Contemporary Arts. The screening took place in a beautiful and modern movie theater: Gorizia’s Kinemax.


Bruno Aveillan’s Divino Rodin. Rodin and The Gates of Hell  offers an unseen dialogue between sculpture, dance, photography and cinema. It proposes an unexpected portrait of the sculptor which was highly appreciated by the public. A lot of spectators discovered indeed that despite a worldwilde celebrity, the complexity and the richeness of Rodin’s artworks still needs to be explored and enlightened.

Bruno Aveillan challenges, with creativity and modernity, all the usual codes of Art Films to broaden the viewer’s perception. His starting point are Rodin’s Gates of Hell. The artist had been working on them for at least 20 years. Actually he was still  thinking and dreaming about his project when he died in 1917. As Antoinette Le Normand-Romain explains it in The Bronzes of Rodin. Catalogue of Works in the Musée Rodin (2007): “The Gates of Hell  […] are the result of a long gestation, which begun in 1880. » Between 1880 and  1890, Rodin created around 200 figures;  working feverishly on what could be seen as « the diary of his life ».


© On the left, view of Mircea Cantor’s Art performance. On the right, photography by Nicolas Gouhier.

Such a mysterious piece, based on a transgressive approach far from the aesthetic norms of its time, needed to be investigated with fresh eyes. What’s more, the sculptor loved to claim: “The law of beauty is not conventional.”

To do justice to the transgressive artist that Rodin used to be, Bruno Aveillan invents a new audiovisual form, melting his dancers’ bodies with Rodin’s masterpieces. Refusing the convention of the documentary genre, he includes in his film fictitious sequences to create a deep empathy with the spectator, within a synesthetic spirit in the Baudelairian sense of the word.

Above all, the editing retraces Rodin’s creation process. Rodin indeed is the one who invented modern sculpture through the creation of a “unique way of re-assembling figures” as the poet Rainer Maria Rilke said. In the same manner – but with other means and materials – Bruno Aveillan has decided to assemble a huge variety of images, giving birth to unexpected revelations and to a living artwork. This is why, according to Jean-Baptiste Chantoiseau, this film in itself is a kind of « assemblage » – which is may be the best possible way ever to be faithful to Rodin’s artistic gesture and philosophy.

The public was as well impressed by Mircea Cantor’s performance in the film. This romanian-born artist, specialised in video, animation, installation art and readymade objects created a drawing of Rodin’s Gates of Hell with a dynamite wire on a Plexiglas plate. After activating the wick, the fire gave birth to another Gates of Hell; a living one made of flames. Shooting such a performance just in front of Rodin’s original Gates of Hell enabled Bruno Aveillan to create a three-dimensional effect and then to obtain a sculptural rendering so relevant to his topic.

The relation between « what is “truth” and what comes after it », to quote the organizers’ argument, was as well  at the heart of the discussions that came after a screening particularly noteworthy and indelible.

© 2018 – Bien en place editorial team.


© On the left, photography by Bruno Aveillan ; on the right, by Nicolas Gouhier.

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Conférence de Jean-Baptiste Chantoiseau sur les couleurs primaires et l’art abstrait à la galerie Wagner / le Touquet – samedi 10 mars 2018


Le conflit entre les partisans du dessin et ceux de la couleur a agité l’univers de la peinture des siècles durant. Raphaël versus le Titien ; Poussin versus Rubens : entre la rigueur de l’intellection et la délectation pigmentaire, prière était donnée de faire son choix. Au début du XXe siècle, le choc de l’art abstrait semble rabattre les cartes. Dans son ouvrage phare de 1912, Du Spirituel dans l’art, et dans la peinture en particulier, Wassily Kandinsky propose des orientations nouvelles et une synthèse inédite entre la précision du dessin et la puissance du pigment : « La couleur, qui offre elle-même matière à un contrepoint et renferme des possibilités infinies, conduira, unie au dessin, au grand contrepoint pictural, s’achèvera en atteignant la composition et, devenue véritablement art, servira le Divin. Et c’est toujours le même guide infaillible qui la conduira à cette hauteur vertigineuse : le principe de la nécessité intérieure! » Un siècle plus tard, où en est-on dans cette grande aventure de l’abstraction ? En partant des œuvres récentes de Charles Bezie, Geneviève Claisse et Ueli Gantner, Jean-Baptiste Chantoiseau analysera ce saisissement pigmentaire, à même l’espace de la toile, en détaillant et interprétant les mouvements et vertiges qu’il occasionne ; entraînant le spectateur dans une balade tour à tour esthétique et spirituelle.

Film et conférence : DIVINO INFERNO made in Italia !

Divino-Inferno-Gorizia  Conférence-6-mars-2018

C’est en Italie, le pays de Dante, qu’est projeté le mardi 6 mars 2018 le film de Bruno Aveillan Divino Inferno. Et Rodin créa La Porte de l’Enfer (2017), coécrit avec Zoé Balthus. Auguste Rodin (1840-1917) adorait l’Italie : en 1876, à l’âge de 36 ans, après une longue attente, il put enfin accomplir son rêve et découvrir Florence et Rome; villes où un Titan, s’il en est, l’attendait : Michel-Ange. Sorti en 2017 à l’occasion du centenaire de la célébration du centenaire de Rodin, le sublime film de Bruno Aveillan continue de jouir d’un accueil critique et public enthousiaste bien au-delà des frontières de l’hexagone. Après l’Institut culturel français de Barcelone en février 2018, où Divino Inferno a été projeté dans le prolongement de l’exposition El Infierno Segùn Rodin (MAPFRE/Musée Rodin), place donc à l’Italie.

Suite, en effet, à une proposition de conférence de Jean-Baptiste Chantoiseau, il sera diffusé dans le cadre du FilmForum 2018. Rendez-vous mardi 6 février, à 21 heures, au Kinemax Gorizia, Piazza Vittoria 41, Gorizia, Italie, pour découvrir ou redécouvrir ce chef-d’œuvre dans sa version anglaise.

Le film sera précédé d’une conférence en anglais de Jean-Baptiste Chantoiseau (université Sorbonne Nouvelle-Paris 3) : « Dancing with Fire. When Bruno Aveillan Rekindles Rodin’s Flame (1917-2017) » – Università di Udine, Polo Santa Chiara, Via Santa Chiara 1, Gorizia.


La rédaction de Bien en place.

Succès de la projection du film « AZAR » (2017) avec Niki Karimi


La star iranienne Niki Karimi était présente à Paris pour les deux séances de la projection, organisée par la société ECRAN D’ARGENT en partenariat avec l’association BIEN EN PLACE, du film Azar (2017) du jeune réalisateur Mohammad Hamzei. Le scénario a offert à l’actrice un rôle de femme forte : une épouse, dont le mari est emprisonné, continue à se battre pour vivre, faire tourner le commerce familial et tenter d’obtenir une libération. Niki Karimi elle-même sait bien ce que le mot « battant » signifie : comédienne, réalisatrice et productrice, elle a déjà plus de 20 films à son actif. Elle est aussi linguiste, traductrice et photographe. Son premier long-métrage, « Une nuit » (2004) a été sélectionné au festival de Cannes, dans la section « Un Certain Regard ».


La projection événement de « Azar »s’est déroulée le dimanche 14 janvier 2018, dans le magnifique Club de l’Etoile (Paris 17e) qui avait déployé pour l’occasion son tapis rouge.

Niki Karimi connaît déjà bien la France ; c’est en effet en 1992 qu’elle a remporté l’une de ses récompenses de « meilleure actrice » au festival de Nantes. Plus récemment (2011), le musée Guimet lui a décerné une récompense pour le film Final Whistle.


La star s’est prêtée à des séances de poses avec ses nombreux admirateurs et admiratrices. Le public est tombé sous le charme du charisme et du talent de cette actrice dont l’aura dépasse les frontières de l’Iran.



Après la récompense du film Un homme intègre en 2017 à Cannes (« Un Certain Regard »), la vitalité du cinéma iranien ne se dément pas en France, ce que cette séance complète a de nouveau prouvé.


D’autres événements viendront poursuivre ce cycle de projections-débats en 2018.


Ecran d’argent : https://www.facebook.com/Ecran-dargent-139046130106942/

« Now you can see them » : Richard Dyer et « Jack the Ripper » de passage à Paris


Richard DYER à l’université de Nanterre le 3/02/18 pour le séminaire du CICLAHO – photo Maziar Razaghi Chantoiseau

Insaisissable, international, terrifiant ou fascinant : Jack l’Eventreur fait partie intégrante de ce Panthéon de figures mythiques qui hantent la littérature, les arts visuels et le cinéma depuis trois siècles à présent. Spécialiste renommé en « cultural and visual studies » et auteur d’une pléiade de livres de référence tels Stars (1979), Now you see it, Studies on Lesbian and Gay Film (1990 ; réed. en 2003 avec une postface de Julianne Pidduck), The Culture of Queers (2002) ou bien encore In the Space of Song (2012), le professeur Richard Dyer est revenu sur cette figure légendaire dans le cadre du séminaire du CICLAHO à l’université Paris X – Nanterre, animé par Anne-Marie Paquet-Deyris, Serge Chauvin et Anne Crémieux.

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Depuis les crimes survenus dans le district londonien de Whitechapel en 1888 – et les récits journalistiques qu’ils suscitèrent – jusqu’aux représentations théâtrales et films récents, le « serial killer » peut-être le plus connu au monde a inspiré diversement artistes et écrivains, pour le meilleur… et parfois aussi pour le pire. En s’intéressant de plus près aux expériences filmiques – séquences à l’appui – Richard Dyer a démontré combien le meurtre et l’angoisse s’inscrivent dans un spectacle (SHOW) qui obéit, certes, à des normes (le brouillard, l’apparition puis l’évanescence de Jack, le jeu des ombres et profils…) mais qui connaît, aussi, des variantes révélatrices de sensibilités artistiques, géographiques et esthétiques différentes. De l’expressionnisme, avec ses jeux de surimposition, au musical en passant par la comédie et la satire, Jack l’Eventreur a été mis en scène , interprété et ré-interprété dans des directions tellement diverses et variées que ce corpus composite, considéré comme un ensemble, en vient à former un paysage pour le moins bigarré, où règne incontestablement une inquiétante étrangeté dont la figure de Jack reste la principale cause.

Ce meurtrier – réel ? imaginaire ? – semble aussi propre à susciter tout un imaginaire fantasmatique où la sexualité (SEX) occupe le premier plan. En dépeignant le meurtre comme un acte sexuel, délivrant pour le serial killer un plaisir comparable à celui de l’orgasme, les artistes, à partir de la figure de Jack l’Eventreur, ont donné vie à des univers esthétiques sous l’emprise du masochisme et de la perversion : les « queer moments », parfois empreint d’homoérotisme, s’y avèrent être légion!

Dernier terrain d’investigation pour Richard Dyer : la question de la classe sociale (CLASS),  qui loin de n’être qu’une simple toile de fond semble obséder écrivains, journalistes, artistes et plus généralement le public. Tout porte à croire que Jack l’Eventreur serait un homme respectable, peut-être issu des plus hautes sphères du pays (la famille royale est ainsi souvent évoquée); un homme dans lequel il serait impossible d’identifier de prime abord un meurtrier – à la façon du docteur Jekyll et de Mister Hyde. A moins qu’il ne s’agisse d’un dangereux immigré, d’un inconnu de passage ou d’un déshérité des basses couches de la société et dont les meurtres horribles refléteraient ce que personne n’est disposé à voir: la précarité et la misère financière et mentale dans lesquelles vivent toute une partie de la population.

De bien des façons, le phénomène « Jack l’Eventreur » exprimerait  le retour d’un refoulé désormais impossible à contenir et qui se répandrait sur des écrans bientôt envahis par une angoisse ulcérante… pour le plus grand bonheur des spectateurs, mais aussi des auditeurs de Richard Dyer qui, une fois n’est pas coutume, a su offrir un exposé vivant, passionnant et inspirant. La fascination pour « Jack l’Eventreur » n’est donc pas prête de s’éteindre.

Jean-Baptiste Chantoiseau


Affiche Loulou    Affiche Waxwork  Affiche Jack l'éventreur

Photos Maziar Razaghi Chantoiseau




De Bologne à Paris : rendez-vous avec Richard Dyer… and Jack the Ripper!

Historien et théoricien du cinéma reconnu, entre autres, pour ses travaux sur les représentations de l’homosexualité à l’écran, Richard Dyer est en conférence ce samedi 3 février 2018 à l’université de Nanterre dans le cadre du CICLAHO (groupe de recherche sur le cinéma classique hollywoodien et ses évolutions cinématographiques et télévisuelles), dirigé par Anne-Marie Paquet-Deyris, Serge Chauvin et Anne Crémieux. Professeur à King’s College à Londres, Richard Dyer est l’auteur d’un très grand nombre d’essais et de livres qui font date dans le domaine des cultural et queer studies.

Il y a quelques mois, en septembre 2017, nous l’avions rencontré dans le cadre du 23e colloque international de la SERCIA à Bologne, en Italie, sur le thème « That’s Entertainment! Spectacle, Amusement, Audience and the Culture of Recreation in the Audiovisual Contexts of English-Speaking Countries ». Après avoir questionné, de manière symétrique, les rapports « entertainment » / « art »  et « représentation » / « affect », Richard Dyer a proposé une approche originale de l’espace de l’entertainment en s’appuyant sur de riches analyses d’une séquence de la comédie musicale On the Town (1949) de Stanley Donen et Gene Kelly puis en passant au peigne fin l’ouverture de Shaft (1971) de Gordon Parks. Quitte à susciter parfois un plaisir coupable (« guilty pleasure »), comment le divertissement parvient-il à investir puis à se répandre dans l’espace, inspirant parfois un sentiment d’inquiétante étrangeté ? Sous les apparences d’un spectacle à l’état pur, se dévoilerait aussi, en vérité, une manière de percevoir et de dominer le monde : Richard Dyer attire l’attention sur les enjeux politiques et sociaux de tout divertissement, tant il est vrai qu’il ne saurait exister de jeu innocent.

Pour ce samedi 3 février, nul doute, à nouveau, que le thème annoncé, « Jack the Ripper in European Film »,  ne réserve de belles surprises !

Rendez-vous à 9h30, à l’Université Paris Nanterre (RER ligne A, station « Nanterre-Université », à 12mn de Châtelet). La conférence se déroule dans la salle des conférences du  Bâtiment B, au rez-de-chaussée.

Au programme :

A/ Kristian Feigelson & Giulia Battaglia : « Autour du cinéma indien :  de Bollywood au cinéma documentaire indépendant »

B/ Richard Dyer : « Jack the Ripper in European Film »

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Avec Richard Dyer à l’occasion du 23e colloque international de la SERCIA,

Bologne, 7-9 septembre 2017.

Vertiges de vivre : Cannes 2017, passionnément


A l’occasion de la sortie, le 18 octobre 2017, du film de Ruben Östlund The Square, qui a remporté la Palme d’or à Cannes, retour sur les moments cinématographiques qui ont marqué BIEN EN PLACE lors de ce 70e Festival. Ce cru 2017 témoigne d’une forte diversité thématique et esthétique, au sein de laquelle il aurait été bien difficile de ne pas trouver son bonheur.


Jupiter’s Moon, sortie 19 mai

Le coup de cœur de BIEN EN PLACE ! Ce long film (123 minutes), aux allures de symphonie moderne, est un tour de force plastique et sémantique. La séquence d’ouverture montre la fuite d’un père et de son fils, Aryan (Zsombor Jéger), tentant d’échapper à leur pays en guerre. La caméra les suit sans relâche, accompagnant aussi bien leur course effrénée que leur chute dans l’eau, dans une continuité qui n’est pas sans rappeler la prouesse de Soy Cuba (1964) de Mikhail Kalatozov. Aryan parvient à survivre à la traversée puis, devenu orphelin, développe la capacité de s’envoler dans les airs ; miracle qu’un médecin, en manque d’argent, tentera d’exploiter. Fuite des migrants, terrorisme, malaise de la société contemporaine : ce film choral aborde tous les thèmes les plus brûlants du monde contemporain tout en développant une esthétique vertigineuse qui emporte avec elle le spectateur. Kornél Mundruczo est un réalisateur à suivre de près.


120 battements par minute, sortie 23 août

Robin Campillo invite à se replonger dans une période dont l’on parle peu et que certains préfèrent oublier : les années SIDA et la lutte difficile menée par ACT-UP pour que cette maladie et ses victimes soient enfin considérées comme une priorité de santé publique. Avec un naturalisme qui donne l’impression que la mise en scène n’existe pas, comme s’il s’agissait d’un documentaire filmé à l’époque des faits, le réalisateur parvient très subtilement à emporter le spectateur à l’intérieur de son film et à en faire un témoin direct de l’action en cours de développement. Malgré la longueur du film (2 h 20) impossible de s’ennuyer un seul instant. Un film coup de poing et une vraie réussite !



The Square, sortie 18 octobre

Assurément un film amené à faire grincer plus d’une dent ! A travers une critique acerbe – et parfois un peu cliché – du milieu de l’art contemporain, Ruben Östlund offre bien davantage une réflexion sur les médias, la publicité, le marketing et la modernité occidentale ! Son art du cadrage et son traitement du son font de certaines séquences de véritables morceaux d’anthologie et expliquent sûrement sa récompense suprême à Cannes. Mention particulière pour la scène du dîner de charité : ce morceau de bravoure mérite à lui seul le détour ! La confrontation, inattendue, entre un comédien, en charge de l’animation, et une assistance bon chic bon genre, plongée dans un silence gêné virant au malaise absolu, y devient un instant de mise en abyme saisissant.


you were not

You Were Never Really Here, sortie 8 novembre

La surprise est venue de ce film, présenté en toute fin de festival. Une belle surprise tant le scénario – fourmillant de détails donnant de la chair à ce film noir hors normes – que les images – sauvages et rythmées – font de ce long-métrage une vraie réussite. Joaquim Phoenix offre sans conteste l’une des meilleures interprétations masculines de cette moisson 2017.


L’Amant double, sortie 26 mai

Inspiré d’un court roman de Joyce Carol Oates, le film de François Ozon réunit à l’écran Jérémie Renier (Paul) et Marine Vacth (Chloé) pour un jeu de séduction au parfum de poison. Sur les traces d’Hitchcock, le réalisateur français joue avec les nerfs du spectateur pour donner du piquant à ce drame psychologique aux accents bergmaniens. Le thème du double, du jumeau et de la folie y est revisité avec maestria, sans que le rythme ne faiblisse jamais. On tombe, sans regret, dans les mailles du filet.


Le Musée des Merveilles, sortie 15 novembre

Deux ans après Carol, Todd Haynes réinvestit New York pour une nouvelle exploration, aux allures, cette fois, de conte fantastique et de légende urbaine. Entre hystérie et fragilité, Julianne Moore y incarne à la perfection le double-rôle qui lui est confié. A travers le destin croisé de deux enfants, Ben et Rose, Le Musée des Merveilles orchestre une double quête de mémoire : celle de deux enfants en mal d’identité, mais aussi celle du cinéma lui-même, à l’aide de séquences muettes tournées en noir et blanc. Un film d’esthète, peut-être, mais qui interroge surtout ce mystère qui confère tout son pouvoir au cinéma et à l’art plus généralement : ce besoin abyssal de fascination, ancré en chaque individu depuis le plus jeune âge.


Faute d’amour, sortie 20 septembre

Dans cette fable cruelle, plus linéaire, peut-être, que celle de Léviathan, mais néanmoins touchante, Andrey Zvyagintsev offre un miroir sans concession de son pays, la Russie. Le destin tragique d’un garçon de douze ans, laissé à l’abandon par des parents en instance de divorce et qui finit par disparaître, se fait symbole d’une blessure répétée faite à l’enfance, à l’innocence, mais aussi à l’avenir. La poésie de certains plans frappe avec l’évidence du grand cinéma.


Happy End, sortie 12 octobre

Ephone en main, cet habitué de Cannes qu’est Michael Haneke a proposé un film efficace d’1 h 47, qui fonctionne comme un compte à rebours jusqu’à cet « happy end » promis dès le départ ; effet d’annonce pour le moins trompeur mais dont l’ironie perverse parlera de suite aux oreilles de tous les familiers de son cinéma. Cet « instantané d’une famille bourgeoise européenne » pour reprendre les termes du catalogue officiel de Cannes, propose une confrontation directe avec une question que tout le monde refuse de voir : celle de la fin de vie et du droit à disparaître ; hypocrisie et schizophrénie sociales révélées à travers le regard d’un monstre… en la personne d’une enfant ! Le tout servi par le magnifique trio Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant et Matthieu Kassovitz.


Mise à mort du Cerf sacré, sortie 3 novembre

La tension qui règne dans le film de Yorgos Lanthimos est palpable dès l’ouverture… et ne lâche pas le spectateur jusqu’à la fin ! Ce thriller psychologique angoissant offre des mouvements de caméra et des angles de vues saisissants, qui font parfois penser à Kubrick. Une belle réussite qui illustre ce que le cinéma américain sait produire de plus envoûtant.


Les Proies, sortie 23 août

Non contents d’être réunis dans le film de Yorgos Lanthimos, Colin Farrel et Nicole Kidman occupent à nouveau le devant de la scène dans cet autre film, signé Sofia Coppola. Une mise en scène précise et un casting irréprochables rendent convainquant et oppressant ce drame aux allures de huis clos, en pleine guerre de Sécession. Remake – non assumé comme tel par la cinéaste – d’un film de Don Siegel de 1971 avec Clint Eastwood, ce long-métrage est l’occasion d’une reprise en main… féminine. Avis aux amateurs !

Hors catégorie

Rodin, sortie 31 août

Une pensée… pour Rodin à travers le film de Jacques Doillon. Le sculpteur, magnifiquement incarné par Vincent Lindon, a été à l’honneur pour cette édition 2017, cent ans après sa disparition. Des séquences très fortes – de modelage, d’assemblage (Je suis Belle) ou encore de surgissement (le Balzac au milieu du jardin de Rodin à Meudon) offrent une occasion rare de découvrir un univers fait d’austérité, de concentration, mais aussi de poésie ; celui du plus grands des maîtres de la sculpture contemporaine.

Samina Seyed’s iconic and amazing website


Samina Seyed, a recent member of BIEN EN PLACE, always amazes us with her unexpected framings, her sensitivity to unnoticed details and the sheer originality of her photographies that can’t be reduced to simple glamour. She spends so many hours, day and night, in Film Festivals and other artistic events to catch impressions, lights and gestures that leave a strong impression on the viewer. Fragilites, gorgeous meetings and astonishing scenes are on the menu of her exciting online diary : http://www.saminablog.net/   To be discovered without delay!

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c) Photos by SAMINA SEYED and many more on www.saminablog.net




Opening Night at Cannes 2017 : des fantasmes Bien En Place



Le festival de Cannes 2017 a démarré sur les chapeaux de roues pour l’association BIEN EN PLACE. Après une première montée des marches pour la cérémonie d’ouverture, tout en danse et en élégance, place sur scène aux « Fantômes d’Ismaël » d’Arnaud Desplechin, visiblement ravi et ému. Après « L’en-deçà des images » paru en 2014 chez Champ Vallon, nous avons promis à Arnaud un nouveau chapitre critique à l’occasion de ce long-métrage dans lequel le réalisateur renoue avec ses thèmes de prédilection : dédales d’un scénario en cours d’écriture et mises en abyme multiples, retour d’un passé fantomatique, dédoublements, impossible deuil… le tout servi par un casting à la hauteur. La version longue du film, déjà dans les salles (notamment au cinéma du Panthéon) permettra de compléter ce palimpseste placé sous l’aile libérée de Lacan, oiseau de malheur paranoïaque ou alouette  propre à inspirer au cinéastes des fantasmes qui captivent l’auditoire. Le film ressemble de fait à un rêve éveillé, où les êtres réapparaissent sur un coup de théâtre et sur un coup de vent, dans une plage isolée où l’on se croirait, à tort, à l’abris de tout trouble. Les souvenirs et les mirages se multiplient. Carlotta (Marion Cotillard), très tôt disparue de la vie de son mari Ismaël, scénariste et réalisateur de profession (interprété par Mathieu Amalric), refait soudainement surface alors que celui-ci tente une nouvelle aventure conjugale avec Sylvia (Charlotte Gainsbourg). Le film n’est pas sans évoquer l’univers de Bergman par la cruelle violence des sentiments déployés et le dédoublement identitaire. Mais on pensera aussi à Antonioni : la disparition, la dérive du couple, la liberté dans le cadrage et la manière de filmer. Une œuvre séduisante, donc, et une belle entrée en matière cinématographique pour ce Festival ainsi placé sous une bonne étoile. Les fantômes de l’image se sont ensuite transformés en fantôme de chair pour une série de rencontres enchanteresses ou inattendues : Jessica Chastain, Adrien Brody, Victoria Abril, Vincent Pérez, Sandrine Kiberlain, Sandrine Bonnaire, Elsa Zylberstein, Julianne Moore, Fleur Pellerin, Christian Estrosi… Et pour cet amour là, merci, et « Chapeau bas » comme le chantait Barbara !